En este vídeo, el artista sudafricano William Kentridge presenta *More Sweetly Play the Dance* (Tocad más dulcemente la danza), una obra invitada de gran formato presentada en el Museo Picasso Málaga del 21 de noviembre de 2024 al 27 de abril de 2025. 

Se trata de una espectacular instalación videográfica de casi cuarenta metros de longitud, perteneciente a la colección de la Fundació Sorigué, por la que desfila una procesión infinita de figuras en movimiento que, combinadas con la música, crean una experiencia envolvente que desafía al espectador a confrontar tanto la belleza como la brutalidad. 

William Kentridge 

More Sweetly Play the Dance 

En el marco de la exposición temporal [*María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/maria-blanchard) la doctora de Historia del Arte y conservadora María José Salazar, responsable entre otros muchos méritos del catálogo razonado de María Blanchard, presenta esta conferencia que, bajo el título «María Blanchard, paradigma de los pinceles sin voz», hace un repaso por la pintura de la artista como fundamento de vida, lo que da cuenta del fuerte componente autobiográfico de su obra. 

El arte de Blanchard no fue suficientemente valorado en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina. Y esta conferencia, junto a la exposición en la que se inscribe, suponen una puesta en valor y un reconocimiento de la obra de la pintora santanderina. 

María José Salazar 

María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo 

En el marco de la exposición temporal [*María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/maria-blanchard) la profesora en la Universidad de Oxford, Xon de Ros, presenta en su conferencia «María Blanchard y el genio femenino» una reflexión sobre como la categoría de genio aparece constantemente asociada a valores masculinos —más pronunciados en el contexto de la vanguardia— que problematiza la creatividad femenina convirtiéndola en anomalía. La profesora indaga en los factores ideológicos que han intervenido en la invisibilidad de María Blanchard dentro de la historiografía tradicional y en los criterios que se barajan para su recuperación. 

El arte de Blanchard no fue suficientemente valorado en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina. Y esta conferencia, junto a la exposición en la que se inscribe, suponen una puesta en valor y un reconocimiento de la obra de la pintora santanderina. 

Xon de Ros 

José Lebrero Stals, comisario de la exposición temporal [*María Blanchard. Pintora a pesar del cubismo*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/maria-blanchard), nos presenta en esta conferencia las claves para comprender la riqueza simbólica, el compromiso social, la complejidad formal y el carácter innovador propios del trabajo de María Blanchard.  

Sin duda la consistente obra de la artista no fue suficientemente valorada en un contexto cultural que creía en la inferioridad femenina. Y esta conferencia, junto a la exposición en la que se inscribe, suponen una puesta en valor y un reconocimiento de la obra de la pintora santanderina. 

José Lebrero Stals 

La entrevista a Javier Cuevas es la tercera de siete vídeo-ensayos originales que nos permiten conocer con mayor profundidad algunas de las obras más relevantes de la [Colección del Museo Picasso Málaga](https://www.museopicassomalaga.org/nuestra-coleccion), expuestas en *[Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/dialogos-con-picasso)*, y los temas que con ellas se relacionan.

Con carácter documental y divulgativo, gracias a las aproximaciones de diferentes expertos en la obra de Pablo Picasso, estos vídeos ofrecen al público contenidos académicos que complementan el ensayo tradicional en formato papel.

La Colección explicada

Javier Cuevas, sobre «La playa», 1932

La entrevista a Michael Fitzgerald es la cuarta de siete vídeo-ensayos originales que nos permiten conocer con mayor profundidad algunas de las obras más relevantes de la [Colección del Museo Picasso Málaga](https://www.museopicassomalaga.org/nuestra-coleccion), expuestas en *[Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/dialogos-con-picasso)*, y los temas que con ellas se relacionan.

Con carácter documental y divulgativo, gracias a las aproximaciones de diferentes expertos en la obra de Pablo Picasso, estos vídeos ofrecen al público contenidos académicos que complementan el ensayo tradicional en formato papel.

Michael Fitzgerald, sobre «Bodegón con minotauro y paleta», 1938

La entrevista a Salvador Haro es la séptima de siete vídeo-ensayos originales que nos permiten conocer con mayor profundidad algunas de las obras más relevantes de la [Colección del Museo Picasso Málaga](https://www.museopicassomalaga.org/nuestra-coleccion), expuestas en *[Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/dialogos-con-picasso)*, y los temas que con ellas se relacionan.

Con carácter documental y divulgativo, gracias a las aproximaciones de diferentes expertos en la obra de Pablo Picasso, estos vídeos ofrecen al público contenidos académicos que complementan el ensayo tradicional en formato papel.

Salvador Haro, sobre «Busto de fauno», 1957

La entrevista a Cécile Godefroy es la quinta de siete vídeo-ensayos originales que nos permiten conocer con mayor profundidad algunas de las obras más relevantes de la [Colección del Museo Picasso Málaga](https://www.museopicassomalaga.org/nuestra-coleccion), expuestas en *[Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/dialogos-con-picasso)*, y los temas que con ellas se relacionan.

Con carácter documental y divulgativo, gracias a las aproximaciones de diferentes expertos en la obra de Pablo Picasso, estos vídeos ofrecen al público contenidos académicos que complementan el ensayo tradicional en formato papel.

Cécile Godefroy, sobre «Las señoritas de Aviñón por Jacqueline Dürrbach» (según pintura original de Pablo Picasso, 1907), 1958

La entrevista a Luise Mahler es la primera de siete vídeo-ensayos originales que nos permiten conocer con mayor profundidad algunas de las obras más relevantes de la [Colección del Museo Picasso Málaga](https://museopicassomalaga.org/coleccion), expuestas en *[Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/dialogos-con-picasso)*, y los temas que con ellas se relacionan.

Con carácter documental y divulgativo, gracias a las aproximaciones de diferentes expertos en la obra de Pablo Picasso, estos vídeos ofrecen al público contenidos académicos que complementan el ensayo tradicional en formato papel.

Luise Mahler, sobre «Copa de absenta», 1914

La entrevista a Eduard Vallès es la sexta de siete vídeo-ensayos originales que nos permiten conocer con mayor profundidad algunas de las obras más relevantes de la [Colección del Museo Picasso Málaga](https://www.museopicassomalaga.org/nuestra-coleccion), expuestas en *[Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/dialogos-con-picasso)*, y los temas que con ellas se relacionan.

Con carácter documental y divulgativo, gracias a las aproximaciones de diferentes expertos en la obra de Pablo Picasso, estos vídeos ofrecen al público contenidos académicos que complementan el ensayo tradicional en formato papel.

Eduard Vallès, sobre «Mujer en un sillón (Françoise Gilot)», 1946

La entrevista a Anna Jozefacka es la segunda de siete vídeo-ensayos originales que nos permiten conocer con mayor profundidad algunas de las obras más relevantes de la [Colección del Museo Picasso Málaga](https://www.museopicassomalaga.org/nuestra-coleccion), expuestas en *[Diálogos con Picasso. Colección 2020-2023](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/dialogos-con-picasso)*, y los temas que con ellas se relacionan.

Con carácter documental y divulgativo, gracias a las aproximaciones de diferentes expertos en la obra de Pablo Picasso, estos vídeos ofrecen al público contenidos académicos que complementan el ensayo tradicional en formato papel.

Anna Jozefacka, sobre «Pareja sentada», 1914

Roberto Otero captó con su cámara fotográfica muchas de las obras que Pablo Picasso conservaba en su casa de Mougins. Entre ellas podemos identificar cerca de una veintena que están presentes en la disposición de la Colección del Museo Picasso Málaga [*Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/pablo-picasso-estructuras-de-la-invencion). 

Este vídeo, acompañado por algunas reflexiones que propio Roberto Otero recogió en su libro *Lejos de España: encuentros y conversaciones con Picasso* (1975), evidencia estas obras en contexto. 

Fotografías de Roberto Otero 

La Colección en contexto 

En el marco de la exposición [*Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/pablo-picasso-estructuras-de-la-invencion), asistimos a una cita académica que reúne a Michael FitzGerald, comisario de la exposición, y cinco académicos que han desarrollado estudios en profundidad sobre cuestiones centrales para el desarrollo artístico de Picasso. 

Entre las numerosas publicaciones de Michael FitzGerald destacan *Making Modernism: Picasso and the Creation of a Market for Twentieth-Century Art* (1995) y *Picasso: The Artist’s Studio* (2001). Ha comisariado exposiciones como *Picasso and American Art* (Whitney Museum of American Art, 2006), *Post-Picasso. Reacciones contemporáneas* (Museu Picasso de Barcelona, 2014), y *Cara a cara. Picasso y los maestros antiguos* (Museo de Bellas Artes de Sevilla y Museo Picasso Málaga, 2021-22). Realizó sus estudios en Stanford University y recibió su PhD y MBA en la Columbia University. Actualmente es Profesor de Historia del Arte de la Familia Kluger en el Trinity College de Hartford y Director de investigación en la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso.

Michael FitzGerald

Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra

En el marco de la exposición [*Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/pablo-picasso-estructuras-de-la-invencion), asistimos a una cita académica que reúne al comisario de la exposición, y cinco académicos que han desarrollado estudios en profundidad sobre cuestiones centrales para el desarrollo artístico de Picasso. 

Giovanni Casini es una de las figuras que nos acompaña en este congreso. Profesor ayudante de la Università di Torino, posee un doctorado del Courtauld Institute of Art, University of London. Su investigación sobre el marchante parisino Léonce Rosenberg y sobre el modernismo, ha sido apoyada por el Center for Italian Modern Art de Nueva York, así como el Metropolitan Museum of Art’s Leonard A. Lauder Research Center for Modern Art. Su libro *Léonce Rosenberg's Cubism: The Galerie L’Effort Moderne in Interwar Paris* (2023) publicado por The Pennsylvania State University Press fue acompañado por la conceptualización de una exposición en el Musée Picasso Paris. 

Giovanni Casini

El camino a la creación. El mural de la UNESCO

En el marco de la exposición [*Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/pablo-picasso-estructuras-de-la-invencion), asistimos a una cita académica que reúne al comisario de la exposición, y cinco académicos que han desarrollado estudios en profundidad sobre cuestiones centrales para el desarrollo artístico de Picasso. 

Blair Hartzell es una de las figuras que nos acompaña en este congreso. Historiadora del arte y comisaria independiente, actualmente gestiona una colección privada en París. Anteriormente, trabajó durante siete años en el Departamento de Pintura y Escultura del MoMA de Nueva York, donde contribuyó a un gran número de exposiciones. Asimismo, fue coeditora de la obra *Picasso: the making of cubism, 1912-1914* (2014)



Blair Hartzell

Del estudio al salón. Picasso y la liberación de París

En el marco de la exposición [*Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/pablo-picasso-estructuras-de-la-invencion), asistimos a una cita académica que reúne al comisario de la exposición, y cinco académicos que han desarrollado estudios en profundidad sobre cuestiones centrales para el desarrollo artístico de Picasso. Tras las ponencias de todos los participantes, la jornada finaliza con una mesa redonda moderada por Michael Fitzgerald y Ross Finocchio, profesor senior asociado de investigación. 


Encuentro «Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra»

Mesa redonda

En el marco de la exposición [*Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/pablo-picasso-estructuras-de-la-invencion), asistimos a una cita académica que reúne al comisario de la exposición, y cinco académicos que han desarrollado estudios en profundidad sobre cuestiones centrales para el desarrollo artístico de Picasso. 

Joshua Cohen es una de las figuras que nos acompaña en este congreso. Profesor Asociado de Historia del Arte en The City College of New York & CUNY Graduate Center, Cohen se especializa en obras del oeste francófono de África, Sudáfrica y sus conexiones con Europa, el Caribe y los Estados Unidos. Su primer libro, *African Sculpture and Modernism across Continents* (2020) fue publicado por University of California Press. 

Joshua Cohen

Picasso y la escultura africana

En el marco de la exposición [*Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/pablo-picasso-estructuras-de-la-invencion), asistimos a una cita académica que reúne al comisario de la exposición, y cinco académicos que han desarrollado estudios en profundidad sobre cuestiones centrales para el desarrollo artístico de Picasso. 

Meta Valiusaityte es una de las figuras que nos acompaña en este congreso. Historiadora del arte y comisaria independiente, se ha doctorado recientemente por la Universidad Paris Nanterre (2023). En esta misma ciudad, ha trabajado también como investigadora asociada en el Musée Picasso Paris (2019-2020).


Meta Valiusaityte

Picasso sobre madera

En el marco de la exposición [*Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/pablo-picasso-estructuras-de-la-invencion), asistimos a una cita académica que reúne al comisario de la exposición, y cinco académicos que han desarrollado estudios en profundidad sobre cuestiones centrales para el desarrollo artístico de Picasso. 

Rocío Robles Tardío es una de las figuras que nos acompaña en este congreso. Profesora Titular del Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid, su investigación se centra en el arte y la cultura visual de principios de s. XX. Formó parte del equipo del Departamento de Exposiciones del Museo Reina Sofía que conceptualizó y dio forma un archivo digital de documentos históricos sobre el *Guernica* de Picasso. También ha comisariado exposiciones, escrito y editado varias publicaciones, entre las que destacamos la antología de dos volúmenes *Picasso y sus críticos vol. I: Recepción del Guernica*(2011) y *Picasso y sus críticos vol. II: Los años comunistas* (2011). 

Rocío Robles Tardío

Las esculturas de yeso. Años 30

Carmen Giménez, una de las promotoras del Museo Picasso Málaga y su primera directora, destaca entre las conservadoras y comisarias de arte moderno más importantes del mundo. 

Con motivo de la exposición [*Picasso escultor. Materia y cuerpo*](https://www.museopicassomalaga.org/exposiciones/picasso-escultor-materia-y-cuerpo), que ella misma comisarió para el Museo, y en el contexto del veinte aniversario de su fundación, Carmen Giménez mantuvo una conversación con José Lebrero Stals el 9 de mayo de 2023 en el auditorio Christine Ruiz-Picasso. 

Carmen Giménez en el Picasso 

20 años 

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Reyes Jiménez-Garnica, Responsable del Servicio de Conservación Preventiva y Restauración del Museo Picasso Barcelona, centra su intervención en el caso de estudio de la difusión de Picasso Proyecto Azul. 

Picasso. Proyecto azul fue una propuesta del Museu Picasso de Barcelona articulada a partir de los estudios técnicos de diversas obras de 1901-1903 que ha contribuido a esclarecer el proceso creativo del periodo y a establecer conexiones entre las obras. La divulgación del proyecto está teniendo amplio recorrido. Después de Barcelona, dos de las obras analizadas y su documentación técnica, se presentaron en Japón. Además, a principios de 2023, se instalará una sala en el Museu Picasso de Barcelona con recursos
multimedia para acercar al visitante aspectos nuevos de las obras. 

Reyes Jiménez-Garnica

Difusión de Picasso Proyecto Azul. Patrimonio invisible y humanidades digitales

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Arturo Colorado Castellary, Catedrático y Profesor Emérito de la Universidad Complutense de Madrid, centra su intervención en la evacuación del Prado durante la Guerra Civil Española. 

Desde noviembre de 1936 a 1938, las principales obras del Museo del Prado fueron evacuadas de Madrid y, siguiendo los pasos del Gobierno republicano, trasladadas a Valencia, después a Barcelona, hasta llegar al norte de Cataluña. Finalmente, a principios de febrero de 1939, en setenta y un camiones cargados por las fuerzas republicanas, en el caos de la salida de refugiados y bajo el bombardeo de la aviación de Franco y de sus aliados alemanes e italianos, salía de España por la frontera francesa rumbo a Ginebra lo más granado del patrimonio artístico español, seguramente la mayor empresa de traslado y salvamento de obras de arte de toda la historia.

Arturo Colorado Castellary

Mirar el pasado para pensar el presente (evacuación del Prado hace 86 años)

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Helen Frowe, Directora del Centre for the Ethics of War and Peace de la Stockholm University, en Estocolmo, centra su intervención en la protección del patrimonio y la ética en momentos de conflictos bélicos. 

Durante una guerra, la conservación de los bienes culturales está regulada en gran medida por la Convención de La Haya de 1954 para la protección de los bienes culturales en caso de conflicto armado que obliga a los estados a tomar medidas de protección hacia sus propios sitios y artefactos patrimoniales, proteger el patrimonio en el territorio ocupado y limitar el uso y daño de los sitios patrimoniales por parte de sus combatientes. Estas obligaciones plantean preguntas difíciles sobre el valor del patrimonio y, en
particular, cómo debemos sopesar ese valor frente a los riesgos para las personas

Helen Frowe

Protección del patrimonio y ética en la guerra

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Javier Rivera Blanco, Catedrático de Teoría e Historia de la Arquitectura y la Restauración de la Universidad de Alcalá de Henares, centra su intervención en las acciones de conservación del patrimonio frente al cambio climático. 

Las transformaciones constatadas en nuestro clima planetario están provocando grandes males para nuestro patrimonio, en forma de catástrofes urbanísticas, monumentales, territoriales, de edificios y colecciones de arte, producidas en las últimas décadas. Los ejemplos son tanto internacionales como nacionales. Ante este escenario, distintas organizaciones públicas regionales, estatales, mundiales, así como otras muchas de carácter privado, se están organizando para crear y coordinar distintos sistemas de prevención
que minimicen estos posibles daños y mejoren la concienciación social sobre este serio problema.

Javier Rivera Blanco

Conservar el patrimonio en el siglo XXI. Acciones frente al cambio climático

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Mª del Carmen Martínez Ríos, Arquitecta parte de la Dirección General de Patrimonio Cultural, Consejería de Presidencia, Turismo, Cultura y Deportes de la Región de Murcia, centra su intervención en los sismos ocurridos en Lorca en 2011. 

Los dos sismos ocurridos en Lorca el 11 de mayo de 2011 a las 17:05 h y a las 18:47 h, con una intensidad de Mw 4,6 y Mw 5,2 respectivamente, provocaron daños severos en el patrimonio cultural del centro histórico de Lorca llegándose a producir el colapso parcial de elementos estructurales de algunos inmuebles. Transcurridos once años tras el terremoto, se ha recuperado la gran mayoría el patrimonio dañado. Dicha gestión ha tenido repercusión internacional, al ser el sismo del 2011 en Lorca una catástrofe
natural en un contexto donde el terremoto de L’Aquila de 2009 fue un precedente en la gestión de restauración de los bienes culturales en la Unión Europea. 

Mª del Carmen Martínez Ríos

Intervenciones en situaciones límite: lo que pasó en Lorca y lo que puede volver a pasar

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Noah Charney, Profesor de Historia del Arte en la University of Ljubljana y fundador de la Association for Research into Crimes against Art, centra su intervención en el robo de la Mona Lisa.

Pablo Picasso fue arrestado e interrogado en relación con el robo en 1911 de la "Mona Lisa" del Museo del Louvre. Era inocente, pero estaba aterrorizado porque había robado otros artículos del Louvre en 1907, y todavía estaban en su poder. Esta charla repasará brevemente el llamado "affaire des statuettes", en el que Picasso, Apollinaire y el antiguo secretario de Apollinaire, Honore-Joseph Gery Pieret, robaron cabezas de estatuas ibéricas del Louvre. Sorprendentemente poco conocida, esta es una de las historias más intrigantes de robo de arte y un raro ejemplo de un coleccionista de arte robado, en este caso, el propio Picasso, quien encargó el robo y probablemente también participó en él.

Noah Charney

Cuando Picasso robó la Mona Lisa: un ladrón de arte belga, dos pistas falsas y el «affaire des statuettes»

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Clara Stagni, parte de la Cobalt Conservation de Bruselas, centra su intervención en lel estudio de tres esculturas de Picasso. 

El programa de investigación iniciado en 2020 sobre algunas esculturas realizadas en yeso de la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte en colaboración con el Museo Picasso Málaga, ha tenido como objetivo identificar los materiales constitutivos y las técnicas utilizadas por Pablo Picasso, determinar con precisión la naturaleza de las capas de revestimiento visibles en su superficie y esclarecer la historia material conocida de las esculturas, específicamente en relación con su proceso de fundición en bronce, confrontando las observaciones con los archivos disponibles.

Clara Stagni

Estudio tecnológico de tres esculturas de Picasso cedidas en préstamo al Museo Picasso Málaga

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Anastasiia Cherednychenko, Vicepresidenta de ICOM Ucrania, centra su intervención en los objetos que configuran la Lista Roja de Emergencia de Ucrania. 

Tras el anuncio del 28 de junio de 2022, expertos de 11 museos de toda Ucrania han colaborado con el Departamento de Protección del Patrimonio del ICOM para investigar y preparar esta exhaustiva Lista Roja de Emergencia, compuesta por 53 tipos de objetos pertenecientes a 7 categorías que abarcan la arqueología, los libros y los manuscritos, la numismática, el arte folclórico, las artes religiosas, las artes aplicadas y las bellas artes. La gran variedad de objetos representados pone en relieve la historia, la riqueza y la diversidad del patrimonio cultural de Ucrania, desde los escitas hasta las vanguardias del siglo XX.

Anastasiia Cherednychenko

Lista Roja de patrimonio ucraniano

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Marta Suárez-Mansilla, Abogada especialista en derecho del arte, centra su intervención en la seguridad de las colecciones privadas. 

Además del papel que los museos e instituciones culturales desarrollan como custodios de nuestro legado cultural, no se puede obviar la labor que los coleccionistas privados realizan al mantener vivas, y muchas veces accesibles, unas piezas que de otro modo podrían desaparecer o caer en el olvido. La dicotomía de lo público y lo privado no debería abordarse desde la confrontación sino desde la complementariedad. Las colecciones privadas presentan unas particularidades fiscales, deben cumplir unas formalidades
determinadas y cuentan, en algunos aspectos, con el apoyo público. En definitiva, su función y capacidad de actuación se mueve entre la frontera de la esfera pública y la privada.

Marta Suárez-Mansilla

Proteger una colección privada ¿una responsabilidad pública?

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Carlos Bayod Lucini, Director de Proyectos en la Fundación Factum de Madrid, centra su intervención en la aplicación de la tecnología 3D al patrimonio cultural. 

Desde 2001 el equipo multidisciplinar de Factum ha adaptado y creado múltiples sistemas de captura y reproducción mediante los que contribuir a la conservación sin contacto de toda clase de obras de arte y objetos culturales. Entre estos desarrollos, el Escáner 3D Lucida permite obtener datos de la forma y textura de un cuadro con el máximo detalle, inaugurando un nuevo punto de vista sobre la compleja superficie de las pinturas. Lucida ha sido utilizado para digitalizar importantes obras en lienzo, tabla o cobre, mapas
sobre pergamino, manuscritos, etc. en colaboración con algunos de los más importantes museos y colecciones.

Carlos Bayod Lucini

Tecnología digital 3D aplicada a la conservación del patrimonio cultural

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Pilar Fatás Monforte, Directora del Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, centra su intervención en el caso de estudio de la cueva de Altamira. 

La cueva de Altamira alberga una joya del arte rupestre paleolítico. Pero a la par que su relevancia está su fragilidad debido a su antigüedad, su materialidad así como las agresiones que sufrió en el pasado. Hoy su conservación se rige por un Plan de Conservación Preventiva y solo un número limitadísimo de personas pueden visitarla. En 2001 se creó una alternativa para la visita a Altamira. Hablamos de la reproducción facsímil tridimensional de la cueva, la sala que conocemos como Neocueva, habiéndose reproducido 500 m2, desde su boca de acceso hasta la Sala de Polícromos, y un espacio muy especial: la Galería Final.

Pilar Fatás Monforte

Crear una réplica y conservar el original: la cueva de Altamira

Esta ponencia se enmarca en el congreso internacional [*El futuro de nuestras colecciones*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/el-futuro-de-nuestras-colecciones), cuya piedra angular fue la reflexión entorno el futuro de nuestro patrimonio. Román Fernández-Baca Casares, ex-director del Instituto Andaluz de Patrimonio Histórico y ex-Director General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Alcaide del Real Alcázar de Sevilla, centra su intervención en el caso de estudio de la restauración del Giraldillo.

El caso de la intervención en el Giraldillo que remata la Giralda de Sevilla fue objeto de un gran debate ciudadano, entre hacer una reposición de un facsímil o restaurar el original. Había que resolver problemas importantes en la estructura de giro y el material-bronce escultórico. Se requirió la aplicación de procesos inductivos, de experimentación, pruebas y trabajos prácticos con un elevado componente tácito. Se realizaron estudios de compatibildad, modelización de la estructura de giro y diseño basado en elementos finitos. El proyecto tuvo una amplia difusión y fue objeto de una exposición en las Reales Atarazanas de Sevilla

Román Fernández-Baca Casares

La restauración del Giraldillo (1999-2005)

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

Desde hace décadas, la Fundición Capa trabaja para dar a conocer la escultura y colabora estrechamente con algunos de los escultores e instituciones más relevantes del panorama artístico nacional e internacional, partiendo de la definición de artesanía —y considerando la evolución de los procesos básicos utilizados en la producción de esculturas— hasta llegar a los medios de los que se disponen en la actualidad y poniendo de relieve la interacción imprescindible de los artesanos —conocedores y ejecutores de estos procesos— con los artistas creadores.

Fernando Capa

Artesanía innovadora aplicada a la escultura. La Fundición Capa

Desde hace más de cuarenta años, las investigaciones del profesor Néstor García Canclini han contribuido a un conocimiento profundo de las culturas populares, abordando asuntos y aportando terminologías que siguen suscitando interés en las ciencias sociales y la crítica cultural contemporánea. 

En noviembre de 2022, tras pronunciar la conferencia inaugural del seminario internacional [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas), el Profesor García Canclini fue invitado por el Museo Picasso Málaga para ofrecer su diagnóstico sobre asuntos tan importantes como la lectura, la enseñanza, la convivencia o el cuidado.  

Néstor García Canclini en el Picasso

Diagnósticos 

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

Los artistas modernos no solo encontraron su inspiración en las «artes mayores» y sus técnicas, sino que realizaron sus respuestas creativas basándose en la cultura común que les rodeaba. Estos artistas aplicaron indistintamente a sus creaciones materiales y objetos procedentes del ámbito cotidiano, de la artesanía y del arte. Y es precisamente esta circulación de técnicas la que permitió a Braque y a Picasso apropiarse de procesos creativos y materiales decorativos propios de la artesanía. En el tránsito de un mundo artístico al otro también cambiaron su significado, convirtiendo estas manifestaciones en arte.

Claire Le Thomas

La unión de la alta y la baja cultura: los elementos decorativos del cubismo

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

En su última etapa artística, Pablo Picasso creó esculturas de chapa plegada con el fin de trasladarlas a formatos monumentales y ubicarlas en paisajes urbanos y naturales. Estos esfuerzos no habrían tenido éxito sin la colaboración del ingeniero noruego Carl Nesjar. En sus últimos años, Picasso eligió su escultura en chapa *Mujer sentada* para trasladarla a la escultura más grande de su obra: *Busto de mujer*. Una idea que de haber sido completada se habría convertido en el monumento de hormigón más grande del mundo.

Kamila Oles

Reconstrucción 3D del último proyecto monumental de Picasso

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

Existen tres aspectos que unen las obras textiles y cerámicas de Picasso: en primer lugar, el uso de técnicas artesanales para combinar diferentes medios en una misma obra. En segundo lugar, la voluntad del artista de compartir el control del proceso artístico con sus colaboradores. Y, por último, el interés de Picasso por lo que podría llamarse «simbolismo material». Estos tres aspectos pueden rastrearse en la práctica de numerosos artistas contemporáneos como Maja Bajevic, Wangechi Mutu, Alighiero e
Boetti, Jeff Koons, Gabriel Chaile y Anish Kapoor, entre otros.

Pepe Karmel

Picasso, artesanía y producción en masa

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

Lejos de ser un paréntesis decorativo en su obra, la cerámica de Picasso posee una importante dimensión semántica y conceptual, en la que el artista explora la relación entre objeto e imagen, una preocupación que hunde sus raíces en el cubismo. Es en el contexto de su obra que se demuestra la importancia y el valor de la cerámica como obra de arte, especialmente en las relaciones con la pintura, el grabado y la transformación de objetos encontrados en figuraciones. Las motivaciones del artista para la creación de cerámicas únicas tienen que ver, entre otras cosas, con la renovación del arte recurriendo a los orígenes, lo que resulta finalmente en la no diferenciación entre Arte y artesanía.

Salvador Haro y Harald Theil

Objeto e imagen. La cerámica de Picasso: conceptos, métodos de trabajo, motivaciones

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

Los objetos realizados con textiles tienen una problemática específica porque cubren un espectro tan grande de significados y funciones que están sujetos a muy diversas categorizaciones. Por una parte, su identificación con lo utilitario los acerca a la artesanía, el diseño, o, en el mejor de los casos, a lo decorativo. Más importante aún son sus fuertes connotaciones de género. Los oficios textiles han estado —y aún lo están— asociados a lo femenino y, por ello, relegados al mundo de lo doméstico, lo utilitario y lo decorativo.

Lala de Dios

Del tapiz al arte contemporáneo. Una aproximación a un caso singular

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

Durante la posguerra, artistas franceses, marchantes y funcionarios gubernamentales promovieron el tapiz como un medio del arte moderno en un movimiento conocido como la *renaissance de la tapaisserie*. Pablo Picasso fue uno de los artistas más prolíficos en esta recuperación de los tapices. Éstas obras, realizadas por Jacqueline de la Baume-Dürrbach y encargadas por el coleccionista estadounidense Nelson Rockefeller, reproducían pinturas realizadas previamente por el artista. Este artículo explora la relación entre Picasso, Rockefeller y de la Baume-Dürrbach en la concepción producción y recepción de original y copia, modelo y obra finalizada.

K.L.H. Wells

Y el tapiz se hizo arte moderno

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

La colaboración de Pablo Picasso con François Hugo dio como resultado la elaboración de una serie de platos elaborados en plata. A pesar de ser poco conocida, la documentación que nos ha llegado hace de esta colaboración la más documentada de todas, mostrando a un Picasso comprometido, dirigiendo cómo se hacían las piezas, el material con el que se fabricaban, los diseños en los que se basaban y las ediciones que se producían.

Clare Finn

Auteur y artiste, opiniones divergentes: la colaboración entre Picasso y François Hugo

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

La autenticidad ha sido objeto de distintas dilucidaciones teóricas. Su problematización proviene tanto de la filosofía como de las condiciones sociales de producción y no coinciden las modificaciones que cada uno de estos ámbitos introduce en el concepto. La noción es neutra en relación al mérito artístico, pero lo que implica cuando se refiere a la producción individual de grandes artistas parece carecer de sentido al aplicarlo al arte popular porque la crítica añade categorías especiales que son valorativas. ¿En qué términos se deja intacta la idea de autenticidad?

Alberto Luque

De cómo las nociones de autenticidad y originalidad resisten a las distinciones entre lo selecto y lo popular

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

Tomando como punto de partida el proyecto *¡Cuánto río allá arriba!* Asunción Molinos Gordo nos invita a adentrarnos en la cosmovisión campesina hispanomusulmana a través de su tradición ceramista. Lo que conocemos hoy como alfarería del agua, compuesta por cántaras, tinajas, jarras de novia, botijos de engaño, entre otros, encierra dentro de su compleja sencillez un trabajo intelectual de gran calado. A través de la investigación que nos compartirá Asunción Molinos Gordo en formato vídeo-ponencia podremos acceder al conjunto de razones por las cuales ha elegido trabajar con este medio artístico de gran tradición, para abordar un tema tan radicalmente contemporáneo como es el manejo de las aguas.

Asunción Molinos Gordo

¡Cuánto río allá arriba!

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

Gabriel Chaile investiga los procesos que hacen que los objetos adopten con el tiempo una determinada forma y observa cómo continúan mutando bajo una línea genealógica. Sus esculturas se presentan como retratos que citan las cerámicas hechas por sus antepasados y se construyen en lugares en los que se propician situaciones de encuentro, celebración y memoria.

Gabriel Chaile

La ingeniería de la necesidad y la genealogía de la forma

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

La ponencia de Will Gompertz aborda la dicotomía entra alta y baja cultura. El arte y los negocios siempre han sido compañeros de cama incómodos; siempre fue así, desde la antigüedad clásica hasta nuestros días. La misma incomodidad histórica se puede encontrar en la intersección entre la alta cultura y la baja cultura. En el arte de los últimos 150 años —desde las décadas anteriores al nacimiento de Picasso hasta las que siguieron desde su muerte—, una y otra vez la baja cultura ha demostrado ser más impactante y significativa que la alta cultura —además de terminar convirtiéndose en alta cultura—. 

Will Gompertz

La mejor alta cultura es la baja cultura

¿Sigue vigente el clásico debate entre las llamadas «alta» y «baja» cultura? ¿En qué términos se llevan a cabo las colaboraciones entre artistas y artesanos en la producción de objetos seriados? ¿Hasta qué punto estas obras de arte se conciben para ser utilizadas en la vida diaria? Poniendo la atención en cuestiones genéricas y en casos concretos, el objetivo del seminario [*Picasso y las artes aplicadas*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/picasso-y-las-artes-aplicadas) es abordar las problemáticas actuales que se derivan entre el arte validado convencionalmente por el museo y las artes aplicadas. Para ello, se parte de un conocimiento más preciso sobre el interés de Pablo Picasso y de otros artistas por la obra seriada.

La ponencia de Néstor García Canclini aborda las dudas sobre las clasificaciones binarias: alto/bajo, elitista/popular, colonial/decolonial. La comunicación mediática y digital reorganiza la creación artística, los hábitos de consumo, los accesos y la convivencia. ¿Qué eficacia tienen los poderes corporativos, sus cambiantes reglas de inclusión, exclusión
y dispersión?

Néstor García Canclini

¿Cuándo hay culturas populares y quiénes lo deciden?

A lo largo de más de treinta años, Fred Hersch (1955, Cincinnati) ha trabajado como improvisador, compositor, educador, director de banda, colaborador y artista de grabación, influyendo a numerosas generaciones de músicos de jazz.  

Alabado por la crítica y con más de cincuenta álbumes en su haber, Hersch interpretó, en julio de 2022, un [concierto de piano solo](https://www.museopicassomalaga.org/actividades/fred-hersch-2022) en el auditorio Christine Ruiz Picasso. 

Fred Hersch

Jazz en el Picasso 

William Kentridge (Johannesburgo, 1955) es un artista conocido por sus dibujos y animaciones, aunque también ha trabajado en otras modalidades artísticas como la dramaturgia, la escultura y la pintura mural.

En el marco del seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), el artista sudafricano presentó una lección sobre qué ha significado este lienzo de Picasso no solo en su arte, sino también diseñando una panorámica de su impacto en otros artistas americanos, europeos y africanos.

William Kentridge

Consideraciones sobre _Guernica_ 

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Alejandra Walzer es Profesora Titular del Departamento de Periodismo y Comunicación Audiovisual de la Universidad Carlos III de Madrid. Es también directora del grupo de coperación: *Memoria e imagen de los Pueblos de África* que desde 2014 desarrolla proyectos vinculados con la preservación audiovisual de la cultura popular negroafricana. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Walzer nos investiga la digestión que se hace del Guernica de Picasso al transformarlo en tatuaje. 



Alejandra Walzer Moskovic

El Guernica en la piel y el Guernica de Picasso

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Gabriel Cabello Padial es profesor titular de la Universidad de Granada. Ha publicado trabajos sobre cine, arte contemporáneo y teoría del arte. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Cabello nos invita a reflexionar sobre la pervivencia de la imagen del Guernica en la contemporaneidad.



Gabriel Cabello Padial

Diálogo cruzado: Supervivencia de la imagen Guernica, medios de comunicación y tatuaje contemporáneo

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Timothy J. Clark es un historiador del arte y escritor británico. Clark ha influido en el desarrollo del campo de la historia del arte, examinando la pintura moderna como una articulación de las condiciones sociales y políticas de la vida moderna. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Clark reflexiona sobre la vigencia del *Guernica*. 



Timothy J. Clark

¿Por qué el Guernica no morirá?

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Andrea Giunta es profesora de Arte Latinoamericano y Arte Moderno y Contemporáneo en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. Asimismo, es investigadora Principal del CONICET (Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas). En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Giunta reflexiona sobre las formas de *Guernica* y cómo esta obra supone un ejemplo perfecto entre la relación arte y política.


Andrea Giunta

Imágenes meditativas: Guernica y las geometrías de la memoria

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

José Manuel Ballester y José Ramón Amondarain son dos artistas españoles que trabajan con los lenguajes de pintura y fotografía. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Ballester y Amondarain comparten sus reflexiones sobre las reelaboraciones contemporáneas y pervivencias plásticas. 



José Manuel Ballester y José Ramón Amondarain

Guernica. Reelaboraciones contemporáneas y pervivencias plásticas

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Matei Chihaia es profesor de literatura española y francesa en la Universidad Bergische de Wuppertal, Alemania. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Chihaia reflexiona sobre el universalismo del *Guernica* y la idea de medio como mensaje. 


Matei Chihaia

Del mural a los murales: una indagación desde los social media

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Pepe Karmel es profesor del Departamento de Historia del arte de la New York University. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional del que ha sido director [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Karmel reflexiona sobre las ausencias y presencias simultáneas de Guernica en el arte contemporáneo. 



Lamentos: Guernica y el arte contemporáneo

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Genoveva Tusell es historiadora del arte, profesora de la UNED y experta en la figura de Picasso. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Tusell investiga sobre el icono de *Guernica* durante la transición y la democracia.



Genoveva Tusell

Guernica como icono cultural en la España de la transición y en la democracia

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Caroline Levitt es la jefa del departamento de Historia del arte de The Courtauld Institute of Art. Es especialista en arte y literatura francesa de los siglos XIX y XX, su interés versa especialmente por las relaciones entre texto e imagen/objeto en un sentido amplio, así como por las relaciones entre el arte moderno y lo sagrado. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Levitt nos invita a explorar las múltiples interpretaciones de la obra *Guernica*. 




Caroline Levitt

La narrativa de puntos de vista múltiples y el lenguaje universal: la traducibilidad del _Guernica_ de Picasso

Desde la segunda mitad del siglo xx y especialmente en las primeras décadas del siglo xxi, *Guernica* ha ejercido un enorme impacto en artistas de todo el mundo, incluyendo América Central y del Sur, Asia y África. Al mismo tiempo, esas distintas reacciones han expandido los horizontes de nuestro conocimiento del lienzo de Picasso.

Janet Kraynak es profesora titular de Historia del Arte y Arqueología de la Columbia University de Nueva York. Escribe e investiga sobre historia y teoría del arte contemporáneo y de posguerra, centrándose en la transformación del objeto artístico como análogo de acontecimientos sociopolíticos más amplios. Esta conferencia, se enmarca en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021).

Janet Kraynak

Die de Faith Ringgold y la long duree de la modernidad

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

Eddie Chambers es profesor del Departamento de Arte e Historia del arte de la University of Texas. Ha trabajado como artista, comisario, investigador y ha escrito numerosos libros y artículos. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Chambers aborda la obra *Soweto/Guernica* del artista Donal Rodney.



Eddie Chambers

Donald Rodney, “Soweto/Guernica”

A *Guernica* se han atribuido valores, significados y causas para lograr fines de muy diversa índole. Es decir, un uso. Uno de los más generalizados ha sido su conversión en una insignia pacifista contra la violencia dentro de la esfera política y la reivindicación social. Incluso en nuestros días, es muy común localizar una imagen de *Guernica* en la pancarta de alguna manifestación en algún recóndito lugar del mundo. ¿Qué confiere a *Guernica* ese poder simbólico? ¿Qué valores éticos se pueden reconocer hoy en *Guernica*? ¿Cómo cambian esos valores según los distintos contextos? ¿Por qué *Guernica* es una imagen transfronteriza tan versátil y transversal para la reivindicación de fines concretos?

W.J.T. Mitchell forma part del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Chicago. Editor, investigador y teórico de los medios de comunicación, las artes visuales y la literatura, Mitchell está vinculado a los campos emergentes de la cultura visual y la iconología. En esta conferencia, enmarcada en el seminario internacional [*Guernica. Pervivencia de un mito*](https://www.museopicassomalaga.org/proyectos/guernica-pervivencia-de-un-mito) (Museo Picasso Málaga, 2021), Mitchell nos invita a explorar los entresijos de la reputación del *Guernica*, sus significados y los sentimientos que provoca.



W.J.T. Mitchell

Las otras vidas de Guernica

[*Picasso e historia*](https://congreso.museopicassomalaga.org/programa-dia1.html) es la cuarta edición de una serie de congresos dedicados a Pablo Picasso que tuvieron lugar en años anteriores en el Musée National Picasso-Paris y en el Museu Picasso de Barcelona, y que han supuesto un foro donde se presentaron estudios académicos relacionados con el artista y su obra.

En esta conferencia Pepe Karmel, profesor de Historia del Arte en la New York University, aborda la figura de Picasso como pintor de historia. Al convertirse en pintor de historia, Picasso altera una tradición que ya se encuentra en proceso de transformación. En el siglo XVIII, Benjamin West y Jacques-Louis David elevan los acontecimientos contemporáneos a la categoría de mito, desestabilizando la semiología de la pintura histórica. David convierte al revolucionario Marat en un mártir cristiano, reemplazando la narrativa con el icono. Delacroix transforma a una niña huérfana en el símbolo de una masacre, mientras que Picasso multiplicará la imagen de una mujer llorando para expresar el horror de Guernica. Pero ¿cómo influye la historia contemporánea en la obra de Picasso antes de 1937? ¿Y cuáles son los límites de la interpretación cuando nos adentramos en su universo metamórfico?





Picasso como pintor de historia

[*Picasso e historia*](https://congreso.museopicassomalaga.org/programa-dia1.html) es la cuarta edición de una serie de congresos dedicados a Pablo Picasso que tuvieron lugar en años anteriores en el Musée National Picasso-Paris y en el Museu Picasso de Barcelona, y que han supuesto un foro donde se presentaron estudios académicos relacionados con el artista y su obra.

En el discurso histórico-artístico sobre Picasso, el crítico alemán Carl Einstein (1885-1940) ha sido en gran medida pasado por alto. Lo que lo distingue de otros comentaristas de Picasso es su tenaz creencia en la capacidad transformadora de la forma artística. El arte visual, afirmó Einstein, determina la visión humana, de ahí que un cambio radical en la forma artística posea el potencial de cambiar la visualidad humana y, al cambiar la visualidad humana, de cambiar nuestra subjetividad y construcción de “lo real”. Para Einstein, el arte de Picasso era el más prometedor en este sentido. En este artículo, se analiza la evolución de la interpretación de Einstein sobre Picasso a través de las tres ediciones de The Art of the 20th Century, además de evaluar su lugar en la recepción crítica contemporánea del artista.




Charles W. Haxthausen

Una “mitología de las formas”: Carl Einstein sobre Picasso

[*Picasso e historia*](https://congreso.museopicassomalaga.org/programa-dia1.html) es la cuarta edición de una serie de congresos dedicados a Pablo Picasso que tuvieron lugar en años anteriores en el Musée National Picasso-Paris y en el Museu Picasso de Barcelona, y que han supuesto un foro donde se presentaron estudios académicos relacionados con el artista y su obra.

En 1921, Paul Rosenberg organizó la primera muestra panorámica de la obra de Picasso desde la Gran Guerra en Francia. Un año más tarde, envió su exposición a Alemania y Checoslovaquia. Este análisis comparativo de las tres versiones de la muestra revisa la recepción de Picasso en los disímiles contextos de posguerra de París, Múnich y Praga y examina el internacionalismo como actitud política en relación con la obra del artista. Entre los críticos centroeuropeos, a diferencia de sus homólogos franceses, la percepción vigente en la preguerra del cubismo como una iniciativa artística moderna completamente internacional continuaba teniendo validez. En 1921-1922, Picasso seguía encarnando la idea de un artista internacional que se resistía u operaba por encima del discurso nacionalista.





Anna Jozefacka y Luise Mahler

Leyendo a Picasso en francés, alemán y checo: la recepción de la exposición itinerante de Pablo Picasso de 1921-1922

[*Picasso e historia*](https://congreso.museopicassomalaga.org/programa-dia1.html) es la cuarta edición de una serie de congresos dedicados a Pablo Picasso que tuvieron lugar en años anteriores en el Musée National Picasso-Paris y en el Museu Picasso de Barcelona, y que han supuesto un foro donde se presentaron estudios académicos relacionados con el artista y su obra.

Los efectos de la I Guerra Mundial muestran dos salidas diferentes al trauma del conflicto bélico en Pablo Picasso y Sigmund Freud. Ambos autores renuevan su obra tomando la mitología como denkraum o espacio de pensamiento. Picasso inicia el denominado período neoclásico en el que crea numerosas imágenes inspiradas en la Antigüedad y Freud realiza un giro epistemológico en su obra al introducir el realitätsprinzip o principio de realidad sirviéndose de elementos de la mitología griega como Eros, asociado a la pulsión de vida y al principio del placer, y Tánatos, asociado a la pulsión de muerte y al principio de realidad.





Javier Cuevas del Barrio

Las consecuencias de la Gran Guerra: nuevos usos de la mitología en Picasso y Freud

[*Picasso e historia*](https://congreso.museopicassomalaga.org/programa-dia1.html) es la cuarta edición de una serie de congresos dedicados a Pablo Picasso que tuvieron lugar en años anteriores en el Musée National Picasso-Paris y en el Museu Picasso de Barcelona, y que han supuesto un foro donde se presentaron estudios académicos relacionados con el artista y su obra.

En esta conferencia David Cottington, profesor de Historia del Arte de Kingston University London, aborda la figura de Picasso en las vanguardias. Podemos convenir en que Picasso fue el artista de vanguardia por excelencia. Su cuestionamiento radical de las convenciones establecidas por la pintura en el “ismo” artístico del que fue pionero, el cubismo, se convirtió en la lingua franca de la vanguardia artística durante gran parte del siglo XX. Pero, en concreto, ¿qué significaba ser “vanguardista” en esa década anterior a la Primera Guerra Mundial, cuando el experimentalismo artístico se profesionalizaba pero, a la vez, entraba en conflicto con las normas artísticas profesionales imperantes? ¿Qué significaba el experimentalismo en la pintura en una época de nuevas tecnologías visuales y de floreciente cultura popular? ¿Hasta qué punto era “profesional” Picasso? Esta presentación ofrece algunas respuestas a estos interrogantes.





David Cottington

Picasso y/en las vanguardias: cubismo y profesionalización en París antes de 1915

[*Picasso e historia*](https://congreso.museopicassomalaga.org/programa-dia1.html) es la cuarta edición de una serie de congresos dedicados a Pablo Picasso que tuvieron lugar en años anteriores en el Musée National Picasso-Paris y en el Museu Picasso de Barcelona, y que han supuesto un foro donde se presentaron estudios académicos relacionados con el artista y su obra.

En esta conferencia Charles Palermo, profesor de Historia del Arte de College of William & Mary en Williamsburg, reflexiona sobre la historia y los modernismos. En torno a 1900, el catolicismo se enfrentó a una escuela de interpretación que llegaría a ser conocida como “modernismo”. El modernismo entendía que las Escrituras evolucionan históricamente, y que, por tanto, están abiertas a las nuevas lecturas aportadas por cada época. El modernismo se hizo famoso por sus acalorados debates e incluso por sus enfoques novelísticos. En fechas recientes, he explicado la relación de este discurso con las imágenes ambiguamente cristianas de las etapas azul y rosa de Picasso y la resistencia de esas obras a su cierre interpretativo. En otro lugar, amplié el argumento a las lecturas de las obras cubistas —obras sin referencia al cristianismo—, en las que los mismos problemas hermenéuticos retornan como reflexiones sobre la forma, la ontología y el significado. Aquí, reúno estas reflexiones. Este es el modernismo de Picasso.





Charles Palermo

Historia y modernismos

[*Picasso e historia*](https://congreso.museopicassomalaga.org/programa-dia1.html) es la cuarta edición de una serie de congresos dedicados a Pablo Picasso que tuvieron lugar en años anteriores en el Musée National Picasso-Paris y en el Museu Picasso de Barcelona, y que han supuesto un foro donde se presentaron estudios académicos relacionados con el artista y su obra.

El uso de la práctica artística por parte de Picasso para desafiar las jerarquías del arte occidental supuso un tipo especial de historización. Ningún otro pintor ha dejado una representación tan exhaustiva de su labor artística: un conjunto de obras que evidencian claramente su reconocimiento sin reservas del proceso histórico. Recientes descubrimientos realizados bajo las pinturas de Picasso corroboran todavía con más claridad que sus procesos de trabajo se asemejaban a los de las disciplinas de la ciencia, la conservación y la arqueología, dejando datos y rastros pictóricos a la historia para que sus cuadros pudieran ser descifrados más tarde. La evidencia de que la pintura de Picasso empleaba técnicas similares a las del proceso archivístico suscita la pregunta de qué propósito tenía esta historización. Mi presentación aborda dicha cuestión.





John Finlay

Picasso y la historia: la pintura como “mal de archivo”

[*Picasso e historia*](https://congreso.museopicassomalaga.org/programa-dia1.html) es la cuarta edición de una serie de congresos dedicados a Pablo Picasso que tuvieron lugar en años anteriores en el Musée National Picasso-Paris y en el Museu Picasso de Barcelona, y que han supuesto un foro donde se presentaron estudios académicos relacionados con el artista y su obra.

En esta conferencia Emilia Philippot, conservadora del Musée National Picasso-Paris, y Stéphanie Molins, coordinadora de proyectos del presidente del Musée National Picasso-Paris, abordan la prostitución en época de Picasso. Si las damas cortesanas o cocottes y las mujeres de los cafés aparecen en las obras de Picasso desde su primera estancia en París en 1900, las prostitutas se convierten en un tema clave durante el periodo azul (finales de 1901-1904), tras las visitas del joven artista a la cárcel de Saint-Lazare entre el final del verano y el principio del otoño de 1901. Estos personajes son objeto de una menor atención durante el periodo rosa (1905-1906), antes de desempeñar un papel esencial en el proceso creativo de Las señoritas de Avignon en 1907. La presentación abordará el estatus ambivalente de este tema en las primeras obras de Picasso, que oscila entre una experiencia catártica en muchos dibujos satíricos y una denuncia de la moral social y religiosa en las trágicas pinturas azules.





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